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Captura de atmósfera y ambientación en pintura

  • Foto del escritor: Jóvenes Investigadores
    Jóvenes Investigadores
  • 13 ene 2020
  • 11 Min. de lectura

Autores:

Daniel Morales, estudiante de Artes Visuales

Kevin Chalén, estudiante de Artes Visuales

Elián Chalén, estudiante de Artes Visuales



Abstract


Si bien las pinturas transmiten emociones por naturaleza, no siempre existe una intención tras ese efecto por parte del artista. En base a esto, el presente texto propone el estudio del impacto de los elementos visuales en la percepción sensible de una composición pictórica. El propósito de esta investigación responde a la necesidad de que el artista pueda traducir su idea, concepto o visión y plasmarla con intencionalidad y estrategia. Tras este objetivo, se plantea la creación de tres pinturas con enfoque en la captura de atmósfera y ambientación en un escenario paisajístico. Cada composición pretende evocar diferentes sensaciones en el espectador a través de la selección y aplicación estratégica de los elementos que la conforman. Teniendo un mismo protagonista en las tres pinturas, siendo este el volcán Cotopaxi, se busca potenciar el impacto de la transmisión emocional, ya que esta diferirá de pintura a pintura. Obteniendo como resultado tres escenas cuyos ambientes emocionales se distinguen entre sí y producen variados efectos sensibles.

Palabras clave: estudio pictórico, artes visuales, elementos visuales.


Abstract


While paintings convey emotions by nature, this effect is not always intended by the artist. Based on this, the following text proposes a study on the impact of visual elements in the sensitive perception of a painting composition. The purpose of this research responds to the need for the artist to be able to translate their idea, concept or vision and portray it with intentionality and strategy. After this objective, the creation of three painting focused on capturing the atmosphere and setting the mood of a landscape scenario is proposed. Each composition aims to produce different sensations on the viewer through the strategic selection and application of the visual elements that conform it. Having the same protagonist throughout the three paintings, being the Cotopaxi volcano, is intended to boost the impact of the emotional transmission, given that it will differ from painting to painting. Getting as a result three sceneries whose atmospheric mood are distinguished from one another and produce varied sensitive reactions.

Keywords: painting study, visual arts, visual elements.


Introducción

En el siguiente trabajo se realizó un acercamiento a los componentes de una obra pictórica: cómo trabajan en conjunto bajo la dirección del artista para producir sensaciones. Nuestra naturaleza es responder ante los estímulos del arte. La lectura de una obra artística varía considerablemente de un espectador a otro. Sin embargo, incluso quien no sea un artista entrenado es capaz de captar información sensible en una composición artística. Es por esto que, durante el proceso de creación, el autor no siempre toma en consideración de qué maneras puede materializar su visión para satisfacer su objetivo personal y expresarlo con más eficacia. En artes visuales, la aplicación estratégica de los elementos que conforman una composición es la clave para que el artista manipule su idea y acomode la obra a como mejor satisfaga su propósito. Son estas características, estas decisiones con fundamentos, las que hablan del juicio del autor. Existe una infinidad de recursos que comprenden la teoría fundamental previa a ejecutar la actividad de la pintura en sí. Aquellos cimientos no son más que un punto de partida. Una vez digerida la información, la exploración e innovación transformarán la manera en la que el artista ejecuta su obra. Por lo tanto, es importante señalar que la creación artística no se rige bajo reglas específicas. En base a esto y a nuestro interés por las artes visuales, nos planteamos la creación de tres pinturas con enfoque en la captura de atmósfera y ambientación en un escenario paisajístico. Y así, descubrir por nuestro propio medio cómo funcionan y complementan los elementos gráficos entre sí para producir sensaciones que difieran de obra a obra. 

Justificación


El propósito de este estudio es reconocer la importancia de la intención del artista tras la representación su idea como obra. El arte es el campo perfecto para que un individuo explore su expresión personal. Es esta libertad tan natural del arte la que mueve al artista a seguir creando. Por ende, es necesario que el autor de una pieza de arte, el portador de la visión, halle una intención detrás de cada elemento que la compone. Tras este objetivo nos planteamos el estudio de la captura de atmósfera y ambientación en un escenario paisajístico. Descifrar cómo los elementos visuales y las técnicas trabajan en conjunto para complementar la visión artística.

Incluso un cierto dominio de los elementos gráficos en pintura como lenguaje, contribuye a que el artista tenga una mejor noción de cómo transformar una idea en algo concreto: materializar un concepto o una intención. Todo esto hace que un individuo forje su identidad como artista y se manifieste a través de su ejecución. Como declara Frobes Morlock en su artículo Graphic Ambivalent: "La línea se muestra como un nombre y por encima de un nombre. Como mínimo, marca. Cualquier marca, para ser una marca, tiene que ser remarcable. Así demostrará personalidad, habilidad y certificará identidad, pero primero tiene que ser reconocible como marca, como la marca de alguien. La línea demanda de su audiencia reconocimiento como firma y, por ende, como la inscripción de un nombre. Demanda reconocimiento no solo como firma sino también de su firma"


Metodología

El estudio se llevó a cabo de manera práctica. Lo primero en el proceso fue la definición de varios aspectos: técnica a emplear, soporte, dimensiones, punto focal y temas.

En cuanto a materiales, se escogió a la acuarela como técnica. Para completar una pintura a acuarela se requiere de menos recursos en comparación a otros tipos de pintura como acrílico u óleo, lo cual resulta conveniente para un estudio sin alto presupuesto. A demás, su aplicación es bastante versátil y permite la exploración de nuestro propósito de estudio.

El soporte seleccionado fue papel para acuarela. Históricamente, el papel ha sido la superficie idónea para trabajar con esta técnica. A pesar de que su precio no es el más accesible, este requiere poca o nula preparación antes de empezar a pintar, contrastando con los lienzos o paneles de madera como superficie alternativas, haciéndolo bastante conveniente ya que no es necesario adquirir materiales adicionales.

Se decidió que las pinturas sean de tamaño relativamente pequeño, ya que constituyen una serie de estudios. Se determinó 29cm x 42cm.

Con respecto a selección de color, se decidió que se trabajaría con un grupo particular de colores para cada pintura. La interacción de los tonos en la paleta permite el moldear la atmósfera. Lo ideal fue escoger un trio de colores primarios acompañado de variantes de los mismos, lo cual proporciona una gran versatilidad en cuanto a mezclas. Se determinó los siguientes colores: rojo de cadmio claro, rosa de quinacridona, carmín, amarillo indio, azul cerúleo y azul ultramar.

El tema escogido para las obras fue escenario paisajístico. Hay una gran variedad de elementos que conforman un paisaje, lo cual contribuiría con nuestra exploración. Se seleccionó el volcán Cotopaxi como punto focal de las tres pinturas. En intento de empezar a incorporar las decisiones artísticas lo más antes posible en el proceso de creación, esta elevación en particular fue escogida para jugar con la idea de que, incluso frente a su carácter tan imponente, la aplicación estratégica de los elementos dentro de la composición puede lograr que las escenas transmitan sensaciones variadas.


Conceptualización


En su tesis La atmósfera: De lo pictórico al arte multidisciplinar, Marta Díaz Villoslada introduce a aquello que en pintura es referido como atmósfera: “En la búsqueda de la plasmación de la atmósfera en la obra de arte, la presencia del aire que envuelve o circunda, encontramos a lo largo de la historia del arte obras que producen en el espectador experiencias, o evocan sensaciones, de infinitud, de misterio, de inaccesibilidad o de la imposibilidad del conocimiento de algo que estaría oculto. A través de la exploración de los límites del espacio y el tiempo, como ese algo más allá que hay en la obra de arte como decía Adorno, nos ponemos al límite de nuestras experiencias sensoriales, como una suerte de indagación hacia la interioridad”. Es una característica natural de la obra de arte. Sin embargo, es en manos del artista donde consigue direccionarse.


Procedimiento


-Antecediendo a la creación de la serie de estudios, se realizó un par de bocetos para poner en práctica las técnicas de acuarela y explorar el escenario paisajístico. Una vez culminadas las prácticas con menor dimensión, se procedió con la realización de las pinturas que conformarían la serie.

Para el primer estudio se tenía en mente una atmósfera acogedora, de calma y con sutil drama. En función de plasmar aquella visión, un atardecer resultó óptimo para potenciar la sensación. Se pensó en un contraste de colores cálidos y fríos, lo cual genera una ligera tensión visual. Por lo general, el enfoque de los objetos varía dependiendo de su posición en la imagen. Sin embargo, para esta composición, pocos bordes se encuentran desenfocados, independientemente de su cercanía o lejanía. Esto se hizo para mitigar percepciones difusas. Se relacionó imágenes bien definidas con una sensación de seguridad y control. Por esta razón, incluso estando a la distancia, se puede distinguir las hendiduras en el pico del nevado de la misma forma que las orillas donde el agua se encuentra con la tierra, lo cual está más cerca del espectador.


Este estudio hizo que se entre en debate con una pieza de información que es muy común en cuanto a lenguaje pictórico y de composición. Fernando Ortiz de Lejarazu la declara en su entrada de blog La Composición: “Los colores cálidos transmiten más peso a las formas que los colores fríos. Los colores cálidos tienden a avanzar mientras que los fríos tienden a retroceder”. Si bien hace referencia a una tendencia, este primer estudio puede representar una excepción a lo expuesto por Ortiz. Evidentemente, el cielo se encuentra por detrás de todo lo que está sucediendo en la escena. Sin embargo, en este hay presencia de colores tanto fríos como cálidos, y dicha interacción no impide que el cielo siga siendo percibido como la parte en donde el resto de la composición reposa. Esto cuenta como simple observación. El mayor peso visual se encuentra justo en el área donde el sol se está poniendo en la escena. Aquí hay una gran concentración de tonos cálidos, tanto en el cielo como en el nevado. Por ende, en cuanto a peso visual, nuestro estudio podría contribuir para afirmar aquella tendencia que menciona Ortiz.



· La idea con el segundo estudio fue alejarse de lo pacífico y explorar la incertidumbre, lo turbulento y lo preocupante. Una de las mayores ambiciones con esta pintura fue el potenciar las texturas. La acuarela tiene una característica física única a la que los artistas han denominado como granulación. La granulación ocurre cuando un pigmento pesado, en combinación con el agua, se separa del aglutinante y se sedimenta en la textura del pape. Cuando esto sucede, la mancha de la acuarela tiene una apariencia que carece de uniformidad en textura, con el color más concentrado en los valles del papel. El azul ultramar es característico por su sedimentación pesada, por esta razón, fue seleccionado como el azul principal en esta pintura. En función de materializar nuestro objetivo de intranquilidad, se tomó ventaja de la granulación y esta es bastante predominante, sobre todo en la parte superior de la composición, donde se encuentra el cielo.



En este estudio tienen mayor protagonismo las tonalidades frías pero desaturadas. Se planeó un mayor contraste entre claros y oscuros para acompañar la atmósfera una tanto más oscura de esta escena. Hay una mayor presencia de bordes desenfocados, los cuales sí van cambiando conforme los elementos se acercan a nuestra vista. Así fue como se decidió plasmar esta idea de duda e inseguridad; las líneas difusas relacionadas con incertidumbre. 



En función de neutralizar los tonos brillantes, se escogió colores que, combinados, dan como resultado tonos con poca saturación; impidiendo la presencia de colores vívidos y estridentes. Estos fueron, azul de ultramar, rojo de cadmio claro y amarillo indio. En cuanto al tercer estudio, se decidió jugar con la simplicidad, predictibilidad y aburrimiento. Con los estudios anteriores, el ambiente sensible fue planeado de manera mucho más sugerente, más creativa. Para este tercer estudio se hizo un mayor acercamiento a la idea de guardar mayor fidelidad a las fotografías de referencia y a lo que es más común ver en una escena de este tipo en la vida real.


La paleta de colores para esta composición fue planeada para producir tonos muchos más convencionales. A diferencia de los estudios previos, este es el primero con la presencia de verde dentro de la escena. El verde es el color más común en cuanto a escenarios paisajísticos, por ende, su aplicación era indispensable para representar esta sugerencia de cotidianeidad. El azul consistente del cielo, en conjunto con las tonalidades amarillentas que predominan en los planos a las faldas de la elevación indica la alta temperatura de la escena.

Por otro lado, esta es la pintura con mayor sugerencia de vegetación; se aplicó más definición. Se distinguen pequeños montes sobresaliendo de las acumulaciones de tierra; de todas formas sigue siendo ligero. Asimismo, en este estudio se encuentra el mayor contraste entre claros y oscuros; teniendo blancos puros y púrpuras intensos, bordeando el índigo profundo.





A razón de que esta es una serie de tres estudios y todos fueron realizados por las mismas manos, las obras también guardan similitudes entre sí; aparte de que las escenas sean muy parecidas, en sí. La acuarela fue aplicada con técnicas consistentes en las tres pinturas. Si bien la intención es que cada una posea una atmósfera distinta, el estilo de pintura está presente en todas. Las pinceladas tienen un carácter mucho más ligero y experimental que limitado. Las concentraciones difusas de color son también características de esta serie; estas sugieren la presencia de elementos no detallados, pero cuya existencia es fundamental en el balance de la composición.


Resultados

Como resultado se obtuvo una serie conformada por tres pinturas:


"hope"


"Anxiety"


"Stability"

Conclusiones

Previo a ejecutar la práctica con las pinturas, se realizó breves investigaciones con respecto a técnicas y a conceptos generales en cuanto a pintura, para afianzar conocimientos. Un factor común dentro de la teoría a la que tenemos acceso, en lo que a técnicas prácticas se refiere, es la tendencia. En ningún momento hay conceptos en cuanto a color o a composición que funcionen de manera objetiva cuando se trata de representar la idea del artista. Lo que sí hay son tendencias. Un conjunto de aplicaciones y de teoría que tienden a acomodarse a lo que se quiere plasmar. Sin embargo, el seguir estos lineamientos establecidos no asegura ni que el artista satisfaga su visión ni que el espectador perciba exactamente la idea del autor mediante lo que este haya producido. Estas teorías dependen esencialmente de lo que tiene a funcionar.

Estos estudios funcionaron para armar aquel debate. Y una de las grandes conclusiones es que el artista, después de estudiar todo aquello que nutra el conocimiento antes de adentrarse en la práctica, va a tener que experimentar para satisfacer la materialización de su visión. Por esta razón, es importante recalcar que la teoría y la técnica sí son de carácter fundamental, sobre todo para que el artista pueda seguir una dirección hacía el transformar una idea en algo concreto. Así, estas tendencias se hacen presentes y los espectadores pueden tener un acercamiento a, más allá de su percepción personal, la ambición del artista; si es que este dispone su obra a ser vista.

Al finalizar con las pinturas, a través del empleo estratégico de las técnicas mencionadas en el apartado del desarrollo, sí se logró satisfacer aquel objetivo de capturar una atmósfera sensible en cada pintura. Sin embargo, que un público sea capaz de percibir aquello depende totalmente en aquellas tendencias a que estos métodos funcionen.

En cuanto a la práctica en sí, se llegó a la conclusión de que, si se trata de capturar un ambiente sensible, lo más conveniente es que los elementos de la composición cuenten con un propósito específico. Nuestro ojo percibe a los componentes de una obra como un trabajo en equipo que conforma un singular. Tal como piezas de rompecabezas, los elementos se juntan y se complementan entre sí para traducir el concepto y llevarlo al papel.

En síntesis, no existe una serie de pasos a seguir que limiten la manera en la que el autor transforma su visión en algo concreto. La teoría funciona como guía, constituye los cimientos sobre los que el artista forjará su experimentación para cumplir con sus objetivos. La captura de atmósfera en una composición pictórica, si bien posee una naturaleza subjetiva, es apta a ser percibida bajo las tendencias que el tomar ventaja de toda la teoría e información como herramientas nos proporciona. Dicho esto, el artista es quien determina qué satisface la representación de su visión.



Anexos




Bibliografías

 
 
 

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